Director y Guión: Jaume Balagueró
Intérpretes: Ana Luna, Danae, Elena Luna, Daniel Montblanc, Pedro A.Segura.
Música: Victor Nubla
Fotografía: Joan Babiloni
Duración: 7,57 min, blanco y negro
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“Nos encanta haber hecho un filme verbenero”
En el Año II después del nacimiento de la Niña Medeiros (recordemos, brutal highlight final de “REC” y sorpresa, sorpresa en “REC 2”), los padres de la criatura Jaume Balagueró y Paco Plaza organizan otro festín de sangre que, como mandan los cánones, salpica y manchurrea más y casi mejor que su antecesor. Ojo, zombis (infectados, queremos decir) sueltos… y más cabreados.
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Viernes 25
22.00 Jim Jarmusch
Sala 1 Coffee and Cigarettes (Café y cigarrillos, Jim Jarmusch, 2003). Int.: Tom Waits, Cate Blanchett, Roberto Benigni. EE UU. VOSE. 95′
“Una colección de relatos, más divertida y arriesgada que Mystery Train o Night on Earth, y mejor en último término que la suma de sus partes. Rodada en blanco y negro durante 17 años, sus episodios están protagonizados por actores o músicos que suelen hacer de sí mismos y que consumen cafeína y nicotina en los bares. Un tema recurrente es la ética y el protocolo de ser famoso; otro la tensión cotidiana entre amigos y parientes” (Jonathan Rosenbaum).
Sábado 26
17.30 Jim Jarmusch
Sala 1 Night on Earth (Noche en la tierra, Jim Jarmusch, 19 91). Int.: Gena Rowlands, Armin Mueller-Stähl, Roberto Benigni. EE U. VOSE. 129′
22.10 Jim Jarmusch
Sala 1 Broken Flowers (Flores rotas, Jim Jarmusch, 2005). Int.: Bill Murray, Jessica Lange, Frances Conroy. EE UU. VOSE. 108′
“Creo que la película trata de la añoranza. Añorar es echar algo de menos y no saber exactamente qué. No quiero que la gente sienta desesperación al final, pero tampoco quiero que lo vean como una cosa romántica y se vayan a comer una pizza. Me gustaría que se dejaran acompañar un rato por ese sentimiento” (Jim Jarmusch).
Próximo estreno en Huesca del documental “Chaves, la memoria expoliada” 24 de septiembre a las 19 horas en el centro Cultural del Matadero.
CanalSolidario / Rebelión
Greenpeace y Amigos de la Tierra denuncian que España es el único país europeo que cultiva la peligrosa variedad MON 810 a gran escala.
¿Te comerías algo que se llama insecticida? España sigue siendo el único país de la Unión Europea que cultiva el maíz insecticida modificado genéticamente MON 810 a gran escala. Aunque Austria, Hungría, Francia, Grecia, Luxemburgo y Alemania han prohibido ya su producción, la Unión Europea, que aprueba las plantaciones del maíz transgénico, se está planteando prorrogar la autorización para su cultivo por diez años. Por ello, Greenpeace pide a los gobiernos internacionales que protejan las plantaciones de maíz y no se continúe con la contaminación genética ya que este tipo de maíz está altamente contaminado con bacterias y su producción degrada gravemente el medio ambiente.
Según un informe hecho público por Greenpeace y Amigos de la Tierra, el reciente dictamen de la Autoridad Europea de Seguridad Alimentaria sobre el maíz modificado genéticamente MON 810 está totalmente viciado y contiene importantes errores científicos. Ambas organizaciones exigen a la Comisión Europea y al Gobierno español que rechacen la autorización de este peligroso maíz.
Ambas entidades denuncian, asimismo, la falta de transparencia informativa del Ministerio de Medio Ambiente, Medio Rural y Marino en materia de transgénicos. Las ONG lamentan la ausencia de grupos ecologistas o de organizaciones agrarias críticas en las reuniones sobre la problemática. Además, han pedido al Ministerio reiteradas veces la documentación científica para afrontar la problemática sin obtener respuesta. Las conclusiones de la reunión, informan las organizaciones, tampoco han sido difundidas.
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“I´m Not There” de Todd Haynes en Cine Astoria
SEPTIEMBRE 2009
Centenario de Joseph L. Mankiewicz (1909-1993)
Recuerdo de Michelangelo Antonioni (III)
Jim Jarmusch
O Dikhipen – Gitanos en el cine (II)
Premios Goya (II)
La melancolía en el cine (VII)
Casa Sefarad presenta
Casa Árabe presenta: Noches de Ramadán 2009
La noche en blanco 09
Homenaje a Guillermo Fernández Zúñiga
18 Festival de Cine de Madrid – PNR
Muestra de cortometrajes de la PNR
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Martes 1
18.00 Premios Goya
Sala 1 Los ojos de Ariana (Ricardo Macián, 2007). Documental. 95′
20.00 Joseph Leo Mankiewicz
Sala 1 Dragonwyck (El castillo de Dragonwyck, Joseph L. Mankiewicz, 1946). Int.: Gene Tierney, Vincent Price, Anne Revere. EE UU. VOSE. 102′
“El debut en la dirección de Mankiewicz no tiene mucho que ver con las sátiras ingeniosas por las que es conocido. Aunque habita el mismo terrotorio gótico que la posterior El fantasma y la señora Muir carece del encanto, ingenio y ambivalencia psicológica de esta última. Pero es un drama eficaz en la tradición de Rebeca, con pocas sorpresas pero una recreación plausible de 1840 y unas interpretaciones destacadas” (Geoff Andrew).
Segunda proyección día 6.
22.00 Jim Jarmusch
Sala 1 Stranger than Paradise (Extraños en el paraíso, Jim Jarmusch, 1984). Int.: John Lurie, Ester Balintz, Richard Edson. EE UU. VOSE. 89′
“Una égloga triste rozando lo sentimental, Stranger than Paradise es el elogio del vagabundeo ocioso y del querer hacerse rico, actividades americanas tan arraigadas como dudosas. Una road movie y una farsa del personajes, con un trío protagonista de bohemios arrastrados (una adolescente emigrante húngara, su primo americanizado y su afable colega) recortados audazmente sobre un fondo de paisajes desolados. Muy divertida y puro cine” (Jim Hoberman).
Segunda proyección día 27.
10
Jul
09
22 Semana Negra de Gijón
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La Semana Negra de Gijón (Asturias, España) ya es hoy, luego de dos décadas de existencia, uno de los más importantes festivales artístico-culturales del mundo hispanohablante. Tiene como elemento principal lo literario, pero eso no quita que se den cita ahí, igualmente, otros elementos creativos como la música, el teatro y la plástica.
Como indica su página electrónica : “Pocos festivales consiguen una permanencia de dos décadas no sólo manteniéndose, sino creciendo continuamente, adaptándose, buscando renovarse sin cesar, reinventándose año con año. Esa vocación de cambio constante, junto con su decisión de ser un acontecimiento popular, para el disfrute de la gente y no de una élite, han sido esenciales para la permanencia de la Semana Negra y para su consolidación como un festival diverso, difícil de definir, donde la fiesta popular, la cultura, la diversión y las preocupaciones sociales conviven sin interferencia, complementándose.
De hecho, nació como encuentro de escritores del género policial, pero al día de hoy es un verdadero monstruo donde se dan cita, además de ese tipo de autores, teatreros y músicos de talla internacional, escritores de otros géneros literarios, artistas plásticos y realizadores audiovisuales, todo lo cual la transforma en uno de los eventos culturales más grandes de Europa, con una asistencia de más de un millón de personas durante sus 10 días de realización.
Para este año tiene entre sus invitados al escritor venezolano y asiduo colaborador de Argenpress Cultural Edgar Borges, quien acudirá a la población asturiana para presentar su nuevo libro “¿Quién mató al doble de Edgar Allan Poe?”, además de su novela “¿Quién mató a mi madre?”
“Por todo esto, la Semana Negra ha sido objeto de una intensa atención de los medios de comunicación, tema de documentales producidos por productoras europeas y americanas y punto de interés de la prensa durante los diez días de su realización. Porque la Semana Negra, a diferencia de las semanas comunes, dura diez días, que también en eso hay espacio para innovar, proponer y romper”. (Rebelión)
ABC
Antes de embarcarse en el maratoniano rodaje de «El Hobbit», el cineasta mexicano nos sorprende con su debut como novelista con «Nocturna», libro de terror escrito junto a Chuck Hogan que acaba de presentar en la capital inglesa.
Habitación rojo sangre, tresillo negro cuervo y cielo gris londinense ligeramente destripador. Pocos escenarios mejores para charlar sobre vampiros rabiosamente actuales y sin pestazo a ajo victoriano. Además, con un tipo entusiasta, apasionado y desbordante como Guillermo del Toro, que acaba de presentar su primera experiencia como escritor (con la ayuda de Chuck Hogan, uno de los novelistas más prometedores del género de terror): «Nocturna» (Suma de Letras), una historia de chupasangres mutantes localizada en el Nueva York actual y que tendrá cuerpo de trilogía. Todo un banquete previo a la gran reválida como cineasta del mexicano: su proyecto en dos partes sobre «El Hobbit» de Tolkien. ¿Quién dijo bloqueo creativo?
-¿Qué le impulso a pasarse al bando literario a estas alturas de su carrera?
-La verdad es que siempre he sido tan bibliófilo como cinéfilo. De hecho, en mi casa tengo cinco habitaciones para mis libros y sólo una para películas en DVD. Es cierto que empecé a escribir esta novela hace un lustro pero en mi juventud siempre he garabateado relatos y piezas cortas, publicado un ensayo sobre Hitchcock, etc.
-Su visión de los vampiros se aleja mucho del ideal romántico y victoriano de Bram Stoker. Parecen más bien zombis infectados por un virus que criaturas eternas de la noche. Tiene que ver que el primer escritor en publicar un tratado vampírico fue un médico, Polidori?
-Pues algo de eso hay, sin duda. Cuando el vampiro empezó a ser material literario a comienzos del siglo XIX se bifurcó en dos vertientes: la científica monstruosa y la romántica. A mí siempre me interesó más la primera; de hecho en «Cronos», mi primera película, ya hablaba de esa dualidad, como también en «Blade 2». Y ahora con esta novela he querido defender el mito vampírico como si fuese un mutante zombi. De hecho los muertos vivientes de George A. Romero eran vampiros salvajes.
-¿Le fue complicado escribir a cuatro manos?
-Para nada. Yo siempre he estado acostumbrado a escribir guiones a cuatro, seis o veinte manos. De hecho, «El Hobbit» lo estamos haciendo entre cuatro personas. La colaboración entre Chuck y yo fue estupenda desde un principio, pensaba que iba a dedicarse a la parte mas empírica y yo a la lírica y casi ha acabado siendo al revés. Nos corregíamos y editábamos mutuamente sin piedad. Ni los hermanos Coen estarían tan compenetrados (risas).
-¿Teme que algunos tachen su novela de oportunista, considerando el tirón vampírico de la saga «Crepúsculo»?
-Bueno, también podría decirme que la pandemia del libro se refiere a la gripe A o que el accidente de avión fue incluido a última hora aprovechando el caso del siniestro brasileño. Lo de la moda de los vampiros siempre se ha dicho, cuando era adolescente pasó con Stephen King y la Hammer, luego con Ann Rice y películas como «Jóvenes ocultos» y ahora con «Crepúsculo» y algunas series de televisión. Seguro que en breve vemos a un vampiro en el diván de un psicoanalista, como en «Los Soprano». Será el siguiente paso. No me preocupa, yo sigo mi instinto y nada más.
-Piensa seguir con esta faceta de escritor o sólo es un «capricho» temporal?
-Sí que me gustaría seguir. Cada día procuro escribir algunos párrafos antes de meterme hasta arriba con «El Hobbit».
-Hablando del rey de Roma, o de la Tierra Media. ¿Ya esta concienciado para lo que se le viene encima con este proyecto?
-Todavía me cuesta un poco mentalizarme pero en fin. De todas formas, estoy acostumbrado a subirme el listón. «Hellboy 2» fue más grande y costosa que ninguna otra de mis películas, incluyendo «El laberinto del fauno», y «El Hobbit» será aún más. Lo que más me divierte son los chismes en internet sobre el proyecto: que si van a ser tres películas, que si Viggo Mortensen va a aparecer… Si la última vez que vi a Viggo fue hace siglos y me dio unos pastelillos riquísimos (carcajadas).
-Usted que es un gran aficionado a los videojuegos y a las ultimas tecnologías, cree que en el cine se puede dar el caso de interactividad total que vaticina el «Project Natal» presentado por Microsoft en la reciente feria E3 de Los Ángeles?
-Eso es interesante. No puedo leer el futuro, pero creo que dentro de una década el ocio electrónico será una única plataforma que englobará cine, videojuegos, internet, blu-ray… Una sola experiencia totalmente interactiva.
-¿Y el cine 3D, la última esperanza blanca de Hollywood?
-Puede dar la sorpresa. He visto algunas cosas que no creeríais, como decían en «Blade runner».
-Entonces, en que lugar queda el «pobrecito» libro encuadernado y con papel reciclado?
-Hombre, eso siempre existirá. Quizá sólo para el coleccionista pero en fin, menos da una piedra. Yo tengo cinco mil DVDs y un centenar de LPs, por ejemplo. Si ocurre un «Fahrenheit 451» será el fin de los tiempos.
-Y la pregunta obligada: ¿habrá película de «Nocturna»?
-Precisamente he adquirido los derechos para que nadie ruede una chingada de filme. A lo mejor me lanzo y hago un tebeo en el futuro. Es triste pensar en la literatura como banco de pruebas para rodar una película. Cada soporte tiene su propia química y filosofía. Yo admiro mucho a gente como David Trueba o Gonzalo Suárez que saltan del cine a la literatura tan ricamente.
-Cree que, después de Clive Barker, la literatura de terror actual permanece algo dormida en su ataúd?
-Es posible. Como lector, confieso que compro pocas novedades y releo mucho a los clásicos. Hay cosas de autores como Ligotti o Gailman que no están mal, pero prefiero acudir a las fuentes originales y a coleccionar rarezas.
-Se le ve más cómodo y relajado promocionando un libro que una película.
-Pues es verdad. La literatura todavía tiene un componente artesanal y creativo que el cine va perdiendo a pasos agigantados. Le voy a contar algo de lo que casi no he hablado: Chuck Hogar y yo sellamos nuestra colaboración con un simple apretón de manos. Un acuerdo de caballeros, sin todo el papeleo y la burocracia de agentes y representantes de Hollywood, donde la palabra casi no tiene valor. Ahí si que hay vampiros de verdad, aunque sea con corbata (risas). Eso es lo que me gusta de este mundillo. No hay más que comparar la Feria de Francfort con Cannes, que casi es un mercado de ganado.
31
Mar
09
“Closed zone” de Yoni Goodman
“Closed zone” (Zona cerrada) dura menos de minuto y medio, pero Goodman logra transmitir la ansiedad de vivir en territorio bajo sitio bajo bombardeo.
El israelí Yoni Goodman, fue el director de animación de “Vals con Bashir” de Ari Foldman, que ganó un Globo de Oro para la mejor película extranjera y fue candidata a un Oscar en la misma candidatura pero perdió ante la cinta japonesa “Departures”.
La cinta fue realizada para la organización israelí Gishá (Acceso), que defiende la libertad de movimiento en los territorios palestinos de Cisjordania y Gaza.
El corto lleva al espectador a la cruda realidad de la franja a través de los ojos de un niño que intenta infructuosamente salir de ella.
Un portavoz de Gishá dijo que “mediante el uso de un solo personaje animado, Goodman trata de hacer que el espectador sienta empatía hacia el pueblo de Gaza y pueda verlo como lo que es: un millón y medio de personas que sólo quieren realizar sus ambiciones y sueños, lo que no pueden hacer por no poder moverse libremente.”
Goodman dijo que al hacer la cinta: “fue muy importante para mí crear a un personaje con el que todos se puedan identificar.”
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منطقة مغلقة
ى قطاع غزة، حتى بعد تنفيذ عملية الانفصال، من خلال سيطرتها على المعابر البرية وعلى المياه الإقليمية وعلى المجال الجوي للقطاع بما في ذلك السيطرة العملية لكنتواصل إسرائيل، بخلاف تصريحاتها العلنية، فرض سيطرتها عل غير المباشرة على معبر رفح.
ضيقت إسرائيل خلال السنة والنصف الأخيرة الإغلاق على قطاع غزة من خلال منعها شبه الكامل لأي حركة بضائع ومعبر الناس من وإلى القطاع.
سياسة الإغلاق هذه التي تعاقب مواطنين أبرياء بهدف ممارسة الضغط على سلطة حماس تسلِب من سكان غزة حقهم في الحركة والذي يعتبر شرطا مسبقا لممارسة حقوق أساسية أخرى. مليون ونصف المليون إنسان الذين جل ما يطلبونه هو العيش الكريم – لم شمل العائلة، اكتساب تعليم جامعي، الحصول على علاج طبي جيد والعمل من أجل كسب لقمة العيش- لا يستطيعون تحقيق ذلك بسبب عدم قدرتهم على الحركة.
لقد أبرزت الحملة العسكرية الآثار الشديدة لسياسة الإغلاق حيث لم يكن أمام سكان غزة، الذين كانوا تحت خطر الموت، أي وجهة للفرار إليها من هول الحرب وفظاعتها.
تطالب جمعية مسلك – مركز للدفاع عن حريّة الحركة دولة إسرائيل بفتح معابر قطاع غزة بشكل كامل والسماح للمتضررين الحقيقيين من الإغلاق- مليون ونصف إنسان – من العيش بكرامة وتحقيق طموحاتهم وأحلامهم
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“Closed Zone”
Despite declarations that it has “disengaged” from the Gaza Strip, Israel maintains control of the Strip’s overland border crossings, territorial waters, and air space. This includes substantial, albeit indirect, control of the Rafah Crossing.
During the past 18 months, Israel tightened its closure of Gaza, almost completely restricting the passage of goods and people both to and from the Strip.
These policies punish innocent civilians with the goal of exerting pressure on the Hamas government, violating the rights of 1.5 million people who seek only to live ordinary lives – to be reunited with family, to pursue higher education, to receive quality medical treatment, and to earn a living.
The effects of the closure were particularly harsh during the military operation of Dec. 2008 – Jan. 2009. For three weeks, Gaza residents had nowhere to flee to escape the bombing.
Gisha – Legal Center for Freedom of Movement calls on the State of Israel to fully open Gaza’s crossings and to allow the real victims of the closure – 1.5 million human beings – the freedom of movement necessary to realize their dreams and aspirations.
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שטח סגור
בניגוד להצהרותיה, ממשיכה ישראל לשלוט על רצועת עזה גם לאחר ההתנתקות באמצעות שליטה על המעברים היבשתיים, על המים הטריטוריאליים ועל המרחב האווירי של הרצועה, לרבות שליטה מהותית אך עקיפה על מעבר רפיח.
בשנה וחצי האחרונות הידקה ישראל את הסגר על רצועת עזה כשהיא מונעת כמעט לחלוטין מעבר של סחורות ואנשים אל ומחוץ לרצועה.
מדיניות זו, המענישה אזרחים חפים מפשע במטרה להפעיל לחץ על שלטון חמאס, שוללת מתושבי עזה את זכותם לחופש התנועה, אשר מהווה תנאי מוקדם למימוש זכויות בסיסיות נוספות. מיליון וחצי איש אשר רק מבקשים לחיות – להתאחד עם בני משפחה, לרכוש השכלה גבוהה, לקבל טיפול רפואי איכותי, לעבוד לפרנסתם – אינם יכולים לעשות זאת בשל חוסר האפשרות לנוע.
המבצע הצבאי חידד את ההשלכות הקשות של מדיניות הסגר כאשר אפילו כשהיו נתונים בסכנת חיים ממשית, לא היה לתושבי עזה לאן לברוח מאימת הלחימה.
עמותת גישה – מרכז לשמירה על הזכות לנוע קוראת למדינת ישראל לפתוח את המעברים של רצועת עזה באופן מלא, ולאפשר לנפגעים האמיתיים מהסגר – מיליון וחצי בני אדם – לחיות בכבוד ולממש את שאיפותיהם וחלומותיהם.
Ángeles Santos, VEGAP, Huesca 2009
Una ensalada de hachazos crudos y terribles, con el sonido del acero podrido penetrando en la carne tierna de unos cuantos niños, asestados por la criatura más vil y repugnante que el cine ha mostrado en mucho tiempo. En la otra esquina, un batallón de policías acribillando en mitad de una calle desnuda a un autobús conducido por un terco antihéroe cuya inquina es su mejor chaleco antibalas. Podrían servir cien o mil más, pero quedémonos con este par de fogonazos en su filmografía (correspondientes a «El intercambio» y «Ruta suicida», filmes separados por treinta años y un día) para comprobar que, si la Dama de la Guadaña fuese bailarina, Clint Eastwood le apretaría un buen tango. Y es que pocos han tuteado a la muerte con tanta valentía y mirándola a las cuencas de los ojos como él.
Nada raro en alguien que llegó a declarar que «no hay nada malo por disparar armas de fuego siempre que se dispare a la gente indicada», que nació en una de las etapas históricas con más suicidas por metro cuadrado (la Gran Depresión) y que debió ganarse la vida rascando en las paredes agujereadas por la Segunda Guerra Mundial. Seguramente la miseria y la soledad que descubrió en aquellos años, mientras se buscaba la vida trabajando como albañil, bombero forestal, limpiapiscinas, metalúrgico, leñador e innumerables curros y «ñapas» más, forjó su carácter tallado en academias militares, y fue impregnando su posterior estilo como actor y cineasta.
El poncho a él sí le favoreció
1964 fue un año importante para Eastwood y para la historia del cine: James Coburn le dijo a Sergio Leone que el poncho no le favorecía (esto es una licencia, ya que la mítica prenda se la acabaría comprando de su bolsillo el propio Clint) y, de rebote, Eastwood, tras algunos éxitos en TV, tendría su gran oportunidad rodando en Almería la «trilogía del dólar»: «Por un puñado de dólares», «La muerte tenía un precio» y «El bueno, el feo y el malo».
Tres películas y tres millones de maneras de morir en las que Eastwood renovó el código de honor del western clásico y dotó de credibilidad a una etapa histórica donde no es muy difícil imaginar que el salvajismo y la brutalidad le ganaban terreno a la camaradería heroica, los duelos coreografiados, los arquetipos pueblerinos o los entrañables borrachines con la cara de Walter Brennan. No es de extrañar que John Wayne empezase a tener entre ceja a ceja a aquel novato zangolotino.
Otra fecha capital para Eastwood en general y su tratamiento de la muerte en particular es 1971. En ese año debuta como director con «Escalofrío en la noche», retrato de una obsesión que remata con un tabú intocable para la época: liquidar a un policía. Aunque el «highlight» de la temporada llega de la mano de uno de los iconos del cine hiperviolento, vengador y justiciero: Harry Callahan. Allí, como en el chiste de Gila, Eastwood se aprovecha de la situación y va dejando un reguero de «fiambres». Como nadie dice ni pío…
La necrofilmografía crece
Entre medias de «Harry el sucio», «Harry el fuerte» y «Harry el ejecutor», la necro-filmografía de Clint sigue cobrándose víctimas y muescas con nombres tan explícitos como «Licencia para matar», «Sin miedo a la muerte», «La venganza del muerto» (que así es conocida en algunos países «Infierno de cobardes»). Tras títulos tan tristes como estos, y «Firefox» (1982), y personajes como Bronco Bill o Philo Beddoe (sí, el del amigo orangután), algunos pensaron que Eastwood empezaba a ser casi un muerto viviente. Hasta que les tapó la boca con el mayor puñado de obras maestras de finales de siglo XX.
Películas donde, cómo no, la muerte también tenía un precio, y casi tan elevado como un salpicón de percebes y angulas en Nochebuena. Una muerte disfrazada de ajuste de cuentas épico («Sin perdón»), de jornada profesional («Deuda de sangre» o «En la línea de fuego») o de duelo desigual («Cazador blanco, corazón negro»), y que también fallecería en aquel río fúnebre, poliédrico y amargo de «Mystic River».
Dolor. compasión, redención
Punto y aparte merece «Million Dollar Baby», donde la filosofía del dolor, la compasión y la redención del cineasta de San Francisco llegan a un punto de no retorno. Pocas veces Eastwood ha dado tantas pistas sobre asuntos del «más allá», y del «más acá» como en esta desgarradora y devastadora cinta, cuyas lecturas no se agotan por más que pasen los años y las revisiones.
El díptico sobre Iwo Jima y su último trabajo como director y actor, «Gran Torino», no hacen más que subrayar este surco maestro dentro de la carrera de uno de los cineastas más vivos y vitales de la actualidad. Quizá sólo Amenábar ha mostrado tanta preocupación por el tema mortuorio en los últimos años, salvando las distancias generacionales y creativas. Pero esto es tan sólo una opinión, y ya se sabe lo que dijo el propio Eastwood sobre las opiniones: «Son como los culos, todo el mundo tiene una».
Palabra de Clint.
¿Terroristas o pijos aburridos? La prensa no se aclara sobre “los antisistema”
Según qué periódico lea, pueden ser gamberros “sin nada que hacer” o parte de una siniestra “multinacional del terror”. Pero hay algo más siniestro: además de sembrar la destrucción, los manifestantes “usan internet”.
¿Qué clase de criatura surgida de los abismos se encuentra bajo la capucha? Tras el estallido social en Grecia, y como si se tratase de una película de Spiderman, la prensa de masas ha puesto en marcha su maquinaria deductiva para averiguar la verdadera identidad de los “antisistema”, una palabra que conviene pronunciar con un efecto de truenos y relámpagos. Los resultados aún no son concluyentes, pero de momento la palma se la lleva ABC. En una galería de imágenes que podría titularse ‘cámbiese de acera si ve a esta gente’, el diario deleita al lector con un retrato robot de ñetas, latin kings, grafiteros y neonazis, donde también se describe el kit del perfecto antisistema (imprescindibles el forro polar con capucha y pañuelo palestino).
En El Economista tienen claro el perfil social: “Joven, con estudios, mileurista… así es el antisistema español”. Sin embargo, tras este titular tipo JASP (joven aunque sobradamente preparado), el diario económico apunta un trasfondo escalofriante. Según una fuente objetiva (un político del PP) las protestas callejeras forman parte de una Internacional del mal: “Gustavo de Arístegui los conoce. Lleva en torno a dos años investigando lo que él denomina la multinacional del terror (…). Lejos de ser algo improvisado que parte de la mente de cuatro gamberros, está perfectamente estructurado y cuenta con cabecillas con buen nivel educativo que en algunos casos dan clase en universidades como la de Columbia”.
Telemadrid, en cambio, considera que el plan está menos elaborado. En el programa 7 días, el presentador José Antonio Ovies, encuentra un ADN diferente tras las protestas: “Esos jóvenes que viven sin hacer nada, nacidos al amparo del bienestar social y que, sí porque sí, deciden que deben asaltar los comercios, los bancos, robar todo lo que encuentren a su paso y recordarnos que son capaces de provocar un lío tremendo”.
No es la única contradicción. Si varios medios destacan el perfil universitario, Telemadrid señala su “nivel de estudios bajo”. En las tertulias, es posible oír a documentados todólogos hablar de “familias desestructuradas” donde se origina la violencia, pero también, sin cambiar de cadena, de “jóvenes que lo tienen todo”. Ovies, además, parece tener algo personal. “Volvamos a los ultraizquierdistas y antisistema, esos que han nacido en un Estado democrático, pero que, por lo que parece, prefieren vivir en uno donde se encuentren mejor, como en la Alemania de los años ‘30”. Esta frase, junto a otros siete minutos de bilis se puede encontrar en www.kaosenlared.net/noticia/telemadrid- sobre-antisistema.
Otro dato que nunca falta. A pesar de ser descritos como fanáticos con “la violencia como único objetivo” o “encefalogramas planos” (Telemadrid), los medios consideran que su uso de las nuevas tecnologías roza los superpoderes. “Llama la atención su poder de convocatoria instantáneo”, afirma El Economista. Telemadrid va más allá: “Se organizan a través de internet (…); utilizan también redes como Facebook, y por supuesto, los teléfonos móviles”.
Pero el estereotipo burdo no carece de lógica. Lo explica, a su modo, el editorial de La Razón: “Buscar en el aumento del desempleo entre los jóvenes europeos o en la incomprensión de la clase política hacia estos sectores juveniles la raíz de un vandalismo inaceptable sólo ayuda a legitimar la violencia”.
Dicho de otro modo: encontrar causas coherentes para lo que sucede es peligroso. La imagen del antisistema sediento de sangre, surgido de no se sabe dónde, puede ser terrorífica, pero en el fondo es más tranquilizadora. Evita, después de todo, que los prosistema se pregunten si algo puede estar fallando.
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Cierra el cine Víctor con final incierto
La plataforma ciudadana que pide la continuidad de la sala de proyección más antigua de Tenerife anuncia que seguirá movilizándose en 2009.
…nos quedamos jodidos y algo de nuestra infancia, o por lo menos de la mía, se va al olvido. Estos días con la guadaña sobre la cabeza del Víctor y la Filmoteca de Canarias, que desde hace algunos años programa sus ciclos en él, recordé los cines que había en mi barrio y que ya no están. Viví en el Alto de Extremadura y solo desde el puente de Segovia hasta el Alto de Extremadura, o sea en la parte del Paseo de Extremadura que abarca cerca de un kilometro o menos, había 5 cines: El “Extremadura”, el ”Lisboa”, el “Chiqui”, el “Albarrán” y el “Astoria”. Dos más había, también, en la zona, el “Lucero” en El Barrio del Lucero y el “España” en Campamento. Eran todos de sesión doble y en ellos me refugié muchas veces de un barrio de pobres y para pobres, de la heroína que dejaba ciegos y mataba a mis amigos del barrio en los servicios de los bares y en portales mugrientos, y de los putos maderos que te inflaban a hostias por el simple hecho de estar sentadito en un asqueroso banco de madera viendo pasar la miseria.
Tardes enteras, alguna la vi dos veces en el mismo día, alucinando con lo que ponían por la pantalla, que ya era grande y yo pequeño y adolescente. Me gustaban las películas, todas, y tarde empecé a reconocer alguna cara que salía en varias de ellas, no sabía quién la hacía ni puñetera falta. Alucinaba, por allí se movían gente, caballos, barcos y veía montañas que no creía que existieran. Con los vaqueros flipaba, y con los tiros, y con los morreos solo hombre mujer. También cuando veía el mar, no sabía cómo cojones habían metido allí tanta agua y que no nos inundara en un descuido en busca a oscuras de un bocata de medio metro. De mortadela, por cierto.
En el cine Lucero vi de una tacada “55 días en Pekín” y “Soy minero”, con un Antonio Molina que volvía loco a mi viejo. Con “55 días en Pekín” creo que pestañee dos o tres veces durante sus 150 minutos, y mi viejo se negó a tragársela otra vez el siguiente día. Recuerdo que pataleé, chillé y prometí que no estudiaría en mi puta vida, pero él como si oyera llover.
En el “Astoria” recuerdo haberlo pasado muy mal viendo “Pánico en el transiberiano”, con un tipo calvo que me caía realmente bien (Telly Savallas) y unos ojos rojos que aparecían de vez en cuando y que provocaban que me temblaran hasta las pestañas.
En fin, solo quería decir esto. Y que No al cierre del Víctor. Y que si lo cerráis ojalá os parta un rayo.
Salvemos el cine Víctor
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Los que enviamos este mail exigimos al Cabildo de Tenerife que renueve el contrato con los propietarios del Cine Victor de manera que la sala siga siendo sede de las proyecciones de la Filmoteca de Canarias y el emblemático edificio mantenga el uso para el que fue construido. Reivindicamos una visión de la cultura en la que no solo prime la rentabilidad, y en la que haya hueco también para el cine de calidad.
Si aun no has firmado copia y pega esta direccion y reenvia este correo con tu Nombre y DNI:
noalcierredelcinevictor@hotmail.com
NOMBRE:
DNI:
PASALO A TUS AMIGOS, INFORMA DE ESTE ATENTADO CONTRA LA CULTURA EN TENERIFE!!
Si deseas más información sobre participación en acciones o movilizaciones ponlo en el mail y se contará contigo.
01
Dic
08
Salvemos el cine Víctor
Salvemos el cine Víctor
Comienza una campaña en contra del cierre de la emblemática sala, cuya gestión abandonará el Cabildo de Tenerife el próximo 31 de diciembre. Se ha abierto una cuenta de correo electrónico para pedir su continuidad y se están repartiendo octavillas a la salida de las proyecciones.
* Por Leticia Martín
* (vecinoreportero)
* La Laguna, 22 Noviembre, 2008, 21:41
* Crónica
Hay noticias que, a pesar de su importancia, pasan desapercibidas, de puntillas. Éste es el caso del cierre del cine Víctor de Santa Cruz de Tenerife el próximo 31 de diciembre, en cuyas butacas se han sentado más de 50 años de historia. Fue inaugurado el 22 de abril de 1954 y es, hoy en día, o al menos lo ha sido hasta ahora, el único cine de pantalla única de Canarias, de los de antes, de los de palomitas y pantalla gigante, que mantiene una programación regular. Es además una programación de calidad, con proyecciones de cine independiente en versión original subtitulada, donde tienen cabida películas de autor, documentales, en fin, las voces muchas veces ignoradas de ese otro cine que no huele a Hollywood. Pero el Víctor cierra sus puertas. Así lo anunció, entre otros, el periódico El Día en una noticia publicada el 23 de octubre.
El Cabildo prefiere ahora proyectar su oferta cinematográfica en un salón de actos del recién estrenado Tenerife Espacio de las Artes (TEA).
Foto: Ventura Mendoza
Desde 2002, el área de Cultura del Cabildo de Tenerife, a través de la empresa pública Ideco, ha gestionado esa emblemática sala ubicada en una esquina de la plaza de la Paz (confluencia de las ramblas General Franco y Pulido), un lugar muy céntrico de Santa Cruz. Sin embargo, la institución insular ha decidido no renovar el contrato con sus dueños. ¿Por qué? Porque no es rentable, dicen. El Cabildo prefiere ahora proyectar su oferta cinematográfica en un salón de actos del recién estrenado Tenerife Espacio de las Artes (TEA), condenando de camino al Víctor a su cierre permanente. A rey muerto, rey puesto. ¿Se convertirá este cine en una bolera? ¿En una discoteca? Creo que no hay nada más triste que un cine que ya no es cine; si uno cierra los ojos y presta atención, puede escuchar los ecos de las voces de los actores entre las filas de butacas abandonadas.
Por si fuera poco, la decisión del Cabildo deja más víctimas. La Filmoteca de Canarias, que desde hace cuatro años y gracias a un convenio de colaboración suscrito entre el Gobierno de Canarias y el Cabildo, programa sus ciclos en el cine Víctor, se verá de pronto de patas en la calle, sin una sede donde proyectar sus películas ni donde ubicar su patrimonio fílmico. La Filmoteca de Canarias no tiene quien la quiera, como publica Eduardo García Rojas en su blog El Escobillón.
¿Qué podemos hacer? De momento, ya se ha creado una dirección de correo electrónico (noalcierredelcinevictor@hotmail.com) que pretende ser un punto de información y encuentro para todos aquellos que están en contra de la clausura del Víctor. En el propio cine, a la salida de las proyecciones, también se están repartiendo octavillas informando sobre lo que está ocurriendo. Parece que poco más se puede hacer, excepto quizá acudir masivamente a las proyecciones y demostrar a nuestros políticos que a la cultura no se le pueden cerrar todas las puertas.
The Mistake – Un Mundo Sin Alfombras Roja
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No se les cae la cara de vergüenza a estos tipos. Se les llena la bocaza cuando se refieren a la Cultura y solo están pensando en negocios negocios negocios. ¿Que no es rentable? ¿Es que tiene que ser rentable un bien público?
Dos pájaros de un tiro, el Víctor y la Filmo. ¡Menuda jeta! Ni bolera ni discoteca, ya veremos cuanto tardan en abrir un bonito centro comercial completito para que nuestra felicidad sea plena, podamos pasar allí el fin de semana disfrutando y descansando con nuestros vecinitos, compremos la cultura basura que ellos nos ponen y volvamos a casita con una zanahoria metida en el culo.
Lamentable. (Max)
Conmovida por la explotación en la que vivía la clase trabajadora de la posrevolución mexicana, Tina se convierte en activista revolucionaria desde principios de los años veinte desarrollando fuertes lazos con miembros del grupo de la Unión Mexicana de Artistas, entre los que se encuentran Manuel Álvarez Bravo, Diego Rivera, Charlot, Orozco y Siqueiros.
Tina Modotti fue una de las mujeres que se adelantaron a su tiempo: luchó por los derechos de la clase desposeída en un país que no era el suyo pero que acabó siendo su patria, con su lente capturó la maravilla de una nación floreciente: son famosas las cananas y mazorcas mexicanas que simbolizan la guerra y la libertad.
Tina nació el 16 de agosto de 1896 en Undine, una pequeña ciudad de fábricas textiles en el norte de Italia, cercana a Trieste, el puerto del Mar Adriático; su padre, Giuseppe Modotti, era mecánico y su madre, Assunta Mondini, estaba dedicada a las tareas del hogar, por lo que su nombre completo fue Assunta Adelaide Luigia Modotti Mondini.
Tina se educó en escuelas italianas y austriacas, pero debido a los bajos recursos económicos con los que contaba su familia, a los 12 años se vio precisada a trabajar en una de las fábricas textiles de su ciudad natal; no obstante, la situación monetaria familiar no mejoró.
A los 17 años emigró con su familia a San Francisco, Estados Unidos, donde se empleó en una fábrica de seda (de 1913 a 1914) y después como modista (hasta 1917). Tenía 21 años cuando se casa con el poeta y pintor Roubaix de l’Abrie Richey y al año siguiente incursiona en Hollywood como actriz de películas silentes. En 1921 conoció a Edward Weston, excelente fotógrafo norteamericano trabaja con como su modelo y eso hace que ella se interese por la fotografía, por lo que comienza a estudiarla con él, quien fue el que le enseñó a usar la cámara, y todo lo que ella sabía de fotografía. En este tiempo, Weston ya había renunciado al Pictorialismo y comenzaba su época de transición.
Un año más tarde, en 1922, llegó a México donde conoció a Diego Rivera y a David Alfaro Siqueiros, con quienes tuvo una gran amistad. Roubaix muere en la Ciudad de México lo que hace que se estreche aún más su relación con Weston, con quien existía ya una relación íntima, de influencia mutua, tanto en el plano personal como profesional; lo mismo en San Francisco que en México, hasta 1930. En 1923 Weston abandonó a su familia y viajó a México con su hijo Chandler y Tina Modotti quien en ese tiempo era su modelo, discípula y amante. Allí conocieron a Diego Rivera y Frida Kahlo.
Conmovida por la explotación en la que vivía la clase trabajadora de la posrevolución mexicana, Tina se convierte en activista revolucionaria desde principios de los años veinte desarrollando fuertes lazos con miembros del grupo de la Unión Mexicana de Artistas, entre los que se encuentran Manuel Álvarez Bravo, Diego Rivera, Charlot, Orozco y Siqueiros.
En 1927 se afilió al Partido Comunista Mexicano y desde ese año hasta 1940 Trabajó como editora, colaboradora y fotógrafa de la revista Folklor Mexicano.
Tina, fotógrafa italiana, ha sabido penetrar muy a fondo México adentro, en los pocos años que lleva aquí. Sus fotografías ofrecen un espejo de grandeza a las cosas simples de cada día y a las sencillas gentes que aquí trabajan con las manos.
Tina fue una mujer en lucha y activista, participó en la campaña Manos fuera de Nicaragua en apoyo a la lucha de Augusto C. Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano.
Durante su estancia en México escandalizó a la mojigata sociedad de aquella época por ser una mujer que vivía bajo el mismo techo con un hombre que no era su marido, ni su hermano, salía a la calle después de las ocho de la noche y compartía la mesa en lugares públicos con varios varones; además de tener la costumbre de bañarse desnuda en la azotea de su casa cuando llovía. En 1928 conoció a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, en una manifestación. Comienza un romance con el revolucionario cubano Julio Antonio Mella, pero éste muere asesinado en 1929 y a ella la acusan de ser cómplice del asesinato, no obstante, al no comprobarle ninguna relación se le declara inocente. Una noche, anda Mella caminando del brazo de su compañera, Tina Modotti, cuando sus asesinos lo liquidan a balazos. Tina grita, pero no llora ante el cuerpo del caído.
El gobierno cubano de Gerardo Machado, no tiene nada que ver con su muerte, afirman los diarios mexicanos de derecha, que Mella ha sido víctima de un crimen pasional. Revela la prensa mexicana que Tina Modotti, es una mujer de dudosa decencia, que reaccionó con frialdad ante el trágico episodio y posteriormente, en sus declaraciones policiales, incurrió en contradicciones sospechosas. Tina llora después cuando llega a su casa, al amanecer, y ve los zapatos de Mella, vacíos, que están como esperándolo bajo la cama. Hasta hace unas horas, esta mujer era tan feliz que sentía envidia de sí misma. Pero ella es culpable de ser amante de la libertad. Vivía sola cuando descubrió a Mella, mezclado en la multitud que manifestaba por Sacco y Vanzetti, y por Sandino, y se unió a él sin boda.
Antes había sido actriz en Hollywood y modelo y amante de artistas; y no hay hombre que al verla no se ponga nervioso. Se trata por tanto, de una perdida -y para colmo extranjera y comunista. La policía difunde fotos que muestran desnuda su imperdonable belleza, mientras se inician los trámites para expulsarla de México.
Al año siguiente en 1930 fue expulsada de México, por su constante activismo, acusada injustamente de conspiraciones contra políticos mexicanos. la acusan de complicidad en el intento de asesinato de Pascual Ortiz Rubio, presidente de México, por lo que se le deporta a Alemania. Tras su salida de México fue a Alemania donde continúa su trabajo en el exilio en Berlín, donde se hace miembro de la Union GmbH de fotógrafos de prensa y publica sus imágenes en Der Arbeiter-Fotograf.
Llegó a Alemania a mediados de 1930. Viajó a la Unión Soviética donde se reencontró con Vittorio Vidali, a quién había conocido en México. Participó en el Socorro Rojo Internacional en la Unión Soviética. Abandona momentáneamente la fotografía por el activismo político mientras se encuentra en Moscú entre 1931 y 1934 trabajando para la Cruz Roja Internacional de la URSS.
En 1934 se traslada a Francia, de donde partió hacia España. Trabaja en Madrid y Valencia. Después de la rebelión militar en 1936, se alistó al Quinto Regimiento y trabajó con las Brigadas Internacionales, con el nombre de María, hasta el fin de la guerra Civil Española.
Labora como reportera del diario republicano Ayuda, al mismo tiempo que para movimientos revolucionarios y para la Cruz Roja. Su participación terminó a la par de la guerra civil. A finales de 1939 regresó como asilada a México, donde continuó su actividad política a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi con un nombre falso. Un año más tarde, el gobierno de Lázaro Cárdenas anuló su expulsión. Fotografió, trabajó y continuó su labor política hasta su muerte en 1942. Tina Modotti murió el 5 de enero de 1942 por un ataque cardiaco. En su lapida en el panteón Dolores de la Ciudad de México se lee un verso de Pablo Neruda:
“Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes;
tal vez tu corazón oye crecer la rosa
de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa.”
Fragmento de un poema de Pablo Neruda.
Puro es tu dulce nombre,
pura es tu frágil vida:
de abeja, sombra fuego,
nieve silencio espuma,
de acero, línea polen
se construyó tu férrea,
tu delgada estructura…
Bibliografía:
” Mildred Constantine, Tina Modotti: Una vida frágil, Fondo de Cultura Económica, México, 1979.
” Christiane Barkhausen-Canale, Verdad y leyenda de Tina Modotti, Casa de la Américas, La Habana, 1989.
” Sarah M. Lowe, Tina Modotti: Photographs (25/07/02)
” Elena Poniatowska, Tinisima (25/07/02)
Webs de interés:
http://www.modotti.com
http://www.masters-of-photography.com/M/modotti/modotti.html
http://www.patriagrande.net/mexico/tina.modotti
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El cartelito que no gusta a algunos
(De la película “Diario de una ninfómana” de Christian Molina)
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